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许宏翔我用绘画探究绘画的可能
在笛卡儿的心灵图像理论中,心灵是一面置于身体内部的剧场或屏幕,精神活动是一种观看形式,思想和意义就来自心灵所制造的图像.许宏翔将自己的绘画视为表达的方式,在图像的消解重构中用艺术项目探索绘画的可能和意义.
20 世纪30 年代初,本雅明就出版了《机器复制时代的艺术》,随后绘画形式逐渐淡出艺术创作的主流表达.你为什么会选择绘画进行艺术创作？
我想任何一种选择都是在有意识与无意识之间完成的.从幼时学画到成为职业艺术家,这一切都归功于一步步的选择.十几岁时我认为艺术就是画画,读大学时才渐渐了解艺术门类的多样性.在那一时期我也尝试了多种艺术创作的形式,在探索与试验的过程中也逐渐加深了对艺术本体的体悟.但随时间的推移我反而更难以割舍绘画在艺术表达中的重要作用.这些由心而发的选择也导致了我目前的创作风貌.可以说,绘画是我生命过程中极为重要的体验,绘画给我的人生注入了很多意义,我将绘画视为我的工作.
较之于二十世纪七八十年代的绘画家,你的艺术观点与他们有何异同？
当代艺术发展至今不过几十年,我们很容易梳理清楚艺术家们做了什么.
中国在二十世纪七八十年代正处于大踏步的时代背景下,世界格局、科技进步都影响着艺术并使之产生颠覆式的变化,从封闭到开放给了艺术巨大的变革空间.对比于当时绘画作品的“激变”,今天的我们很难再去创作“新”的事情.当然,上述的“激变”与“新”大多体现在画面语言的基本形式上.时代的改变影响了艺术的问题,这是两代人之间的区别.
当下的艺术迫切需要寻求自己的定位,一味追求变革会使绘画创作更易失去活力.毕竟高精尖的科学技术在发展速度上远超艺术的发展变化.艺术,尤其是架上艺术事实上偏向保守与传统.如何在放慢速度的前提下找准绘画语言的立足点才是我目前工作的重中之重.
很多七十年代后的艺术家在创作时呈现卡通化和泛青春化的叙事性特征,你如何跳出这样的集体性经验明确自己的艺术道路？
对我来说风格是消费和娱乐的产物,对创作来说风格并不重要.我从未将关注点投射在风格的划分上.概念的总结更像是美术史学者探讨的命题.我不希望我的创作会因为年代被划分进某种现象. “概念”并不应该成为创作动因.
当下的艺术创作很容易形成“风潮”,这并非艺术“风格”.时下盛行的“坏画”风潮,即归功于网络发达下个人传播的盛行.事实上画画这个行为门槛很低,纸与笔都是随手可得的工具材料.一种艺术风潮的盛行会给我们带来更宽阔的视野,我们可以横向比较在同一风潮影响下个人表达的异同.同时对艺术风潮的警醒也能在纵向的角度为我们反思绘画提供更多的可能.
你的创作受到哪些艺术流派或哲学思想的影响?美院的教学为我提供了坚实的学院派基础.杜马斯与德国表现主义影响了我的创作.而后彼得多伊格和小里希特的作品也为我的创作增添了活力.但我渐渐不满足于他们的作品中呈现的滤镜式效果.从而提示我创作属于我的个人化的图像.
我不太喜欢读故事,图像化的书籍更吸引我.谈到哲学,我反而认为艺术家并没有必要去充当哲学家或小说家的角色,当你真的进入创作的状态,绘画其实可以帮助你认识生活中的问题.从画面的组织到绘画的意义,我在创作过程中时常会陷入“思考的状态”.生活中的平凡事物也赋予了我不同的观察角度.思考是绘画过程中自然而然的流露,它不必成为创作过程中的负担.
作为一名年轻的中国艺术家,你如何看待传统文化和西方文化对你创作的影响？在创作中我不会自觉地去设定自己的创作身份,如“作为一名中国人……”.这种设定在我看来没有必要.事实上,我们对事物的认知都建立在自我的意识形态之上.
我有时会质疑传统的有效性和价值.当我们欣赏被赞誉“绝妙”的古画时,“绝妙”在哪？与其他艺术作品比能否分出高下？任何经典都是有限的,我们不能将评述建立在神化的基础上.我更喜欢揣摩图像,试图解读别人绘画的动机.这样的分析也会给我的创作带来自信.我热爱中国传统技艺的相关著作,但我不认为我的热爱来源于将其视为传统文化,而恰恰是我生活在此地接触到的一切使我对这样的文化产生兴趣.中与西不存在高下,二者共同沃灌了我的生活创作.文化有局限性,不同文化的交融恰恰拓宽了文化的边界.中国文化在孔孟时期已达到一定的高度,之后基本维持长久的稳定.这种中国文化的“早熟”催生了文化空虚,换句话说 “虚无”“佛系”恰恰就是文化空虚的表现之一.黑格尔认为东方的哲学向来追寻“一步到位”,西方文化恰恰用论证补充了文化的细节.
在形成个人风格的路径中,你经历了哪些过程？我的创作经历了由建立图像至破坏图像的过程.2010年前后,我渐渐步入创作的正轨,在进行绘画创作时,我排斥对图像的描摹.我做了很多的实验去尝试消解重构图像,也因此得到了最早的似乎对画面洗刷的效果.之后一段时间,我的创作重点渐渐从破坏图像转到对画面的重构上来.这种对画面的直接描绘离不开之前在绘画上的探索为我注入的强大自信.在空白的画布上重构形象是我当时创作过程中的重难点.正如我不去探讨绘画的意义、不拘泥于图像的哲学内涵.人生的方向都是由无数个“选择”决定的,目前我的画面状态也是在经过了多重体验后我所选择的结果.你的研究方向是如何从“图像与绘画的关系”到“图像与现实的关系”的？
在创作图像的阶段我试图探索的是绘画本体的问题,怎么去绘画？我们是否还能延展绘画的可能？之后随着我在生活中遇到的越来越多的问题,我渐渐迷失了.我们常听说绘画是精英文化,有价值的绘画在探索人类的智慧、道德、情感……我在这些高深与虚无的定义中想努力探索绘画的现实意义.由此才萌生了进行艺术项目的念头.在这些艺术项目的创作过程中,我渐渐获得了一些之前的创作未能提供给我的观点——绘画语言表达的准确必须基于图像准确的前提之上.这就将图像与我个人的现实生活联结在了一起.我画了很多身边的人和生活中被忽视的小场景,我渐渐明确了对我而言准确的图像,即叙事化的生活情节.
2016 年年初我开始探索绘画中的“叙事性”,这也为我的创作注入了无限的可能.此时我感到亢奋,工具材料、技术手段的改变也都不再是限制我绘画的难题.
在艺术项目“李强”中,你是否在探讨时间、空间和存在？回答这个问题要回归创作该项目的原点,我想探讨“绘画可以做什么？”首先从绘画的记录功能出发,我想到可以为我的朋友画一张画像.在绘制过程中我不自觉就会站在三十几岁的立场回忆童年我与朋友的相处时光.生命是短暂的,我和朋友似乎都被时光“折旧”了,李强的形象来源于自我的自然情感,我出于动物性的愉悦去调侃老朋友因岁月和生活的蹉跎而产生的发福.这自然使我生发了对生命这一短暂事物的悲悯情绪,我感到对脆弱的生命的同情.
在艺术项目“下地”中,你是否在探讨图像重构现实,图像与现实的关系？在该项目中,我主要探讨了观看.该项目的出发点源于我对自己创作的反思,我想弄明白自己到底画了些什么,以及为何我今日的绘画会呈现当下的面貌.在进行“下地”的相关实践时我正身处老家.人们常说你的家庭,你成长的环境,你的童年……决定了今天的你.我由此想到要将自己的创作带回我成长并熟悉的地方,探究作品与记忆是否有所联结.另一方面,我不想把自己的工作自视甚高.我的画作是我表达的产物而非“精英式”的图像,风吹、日晒、雨淋、坠落,都不能成为我将作品融于情境的阻碍.在这个时刻,它们已经成为一件件物品,一件件可以融于我的来源的物品.这个项目的创作状态为我的创作注入了更多情绪.
绘画论文范文结:
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