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音乐表演中的创造性探究
摘 要：音乐表演作为二度创作,它成为作曲家与欣赏者之间的重要桥梁.作曲家把脑海中的旋律物化为乐谱,表演者将自身的理解与技术把乐谱外化为音响传递给听众,欣赏者再通过听觉与视觉将其内化,经由各自的审美,产生对一部音乐作品的感受与理解.在此三个环节中,表演者将乐谱内化再外化的过程中就已经有了创造性活动的参与；同时,当欣赏者将音响内化形成各自的理解时,又一次形成创造性.
关键词：创造性；音乐表演；音乐理解
一、 什么是创造性
一般意义上的创造性是指个体具有的独特新颖,与他人不同的特性.而在音乐表演中,创造性体现在差异性上.对于同一部作品,由不同主体进行演奏,然后对他们的演奏录音进行比较,可以发现,无论是在演奏的时长、速度的快慢还是在强弱对比的处理上,都有很大的区别,即使是同一个主体演奏同一部作品,将他每次的演奏进行对比,也可以发现它们之间存在细微的差别.但是,正是这些差异性,使得音乐表演活动具有了积极意义,也给音乐作品不断注入新的生命力.如果,每一次的演奏都是特定的机械般的演奏,那么,我们也不必去音乐厅或者其他场所聆听一场音乐会,或去观看一场精彩的大师演奏了.
但是,是否具有了个性,使得每一次的演奏与他人有所不同,这就具有了创造性呢？很显然,我们所说的音乐表演中的创造性是具有普遍意义的,是具有一般规律的创造性.如果对一首音乐作品的解读,不再符合该作品文本时,这样的创造性是不被认可的,因此,创造性也需要有一个限定条件,即它要在符合文本的前提下所产生的差异性,才是我们所要追求的创造性.也就是黑格尔所说的,存在于E层次的创造性只是个别的,而是要把它放在A、B层次上进行考察,这才是具有普遍规律的.它是经过我们把不同的主体进行的演奏符号类型放在一起加以比较归纳,最终抽象出具有同一性的东西,也就是”具体同一性“,那么,音乐表演的创造性要符合这个具体的同一性,才是符合音乐”文本“的创造性,具有普遍意义.
二、 创造性的形成
创造性并不是技艺高超,具有独特天赋的音乐家所特有的,一般来说,只要是在符合作品的解读下,对一部作品产生人人不尽相同的理解,在此基础上用所掌握的技术予以外化,这就是一般意义上的创造性.但是创造性有高低之分,对创造性形成的影响有客观因素也有主观因素,主体所处的不同时代背景、生活环境、所受教育等这是客观因素；个人经历、技术的掌握等的差别,这些属于主观因素.这些因素组合在一起,就必定对创造性的形成产生影响.以下我将对其中两个方面进行进一步的说明创造性是如何形成的.
对于作品的演奏,其实是一个理解与解释的过程.理解是先向内再向外的运动过程,是针对理解者而言的,是主体对某一个外在对象的评价；而解释正好相反,它是向外再向内的运动,是主体对一个对象的阐释,但也有理解的因素在里面.当我们面对一部音乐作品时,先入之见就已经在演奏前存在,在先入之见中,我们往往会带有经验的理解作品,而我们知道经验并不是都符合客观事实的,它有与作品自身相一致的地方,也会有对作品解读的偏离,因此,这需要靠实际的演奏来加以证实,那么,在先入之见这个首要环节中,就已经体现了创造性.
创造性是一个动态的生成过程,当我们对作品的经验性解读之后接下来就是要通过一定的技术,把作品演绎出来.在表演的过程中,创造性体现的更为显著.黑格尔从两个方面来界定形式律,一个是感性材料质量的美,另一个是结构的美.感性材料质量的美与演奏者的音准、音色、音量等方面相关,而结构的美则与力度、节奏、技术等方面有关.这些不同的因素,以及不同因素之间的不同组合,构成了比格式塔更为微观的层次.因此,表演者都是对所述方面的选择和搭配中完成音乐表演活动的,他们各自对这些因素的不同搭配,体现了黑格尔所说的E层次,也就是个别性,即创造性.
三、 创造性在音乐表演中价值
在西方,音乐作品基本都是以五线谱的形式呈现,有较为明晰的力度与速度记号,有明确的音高和旋律走向,也有一目了然的伴奏和声织体,为表演者的演奏提供了参照和相对来说一个普遍适用的“文本”；而在我国,五线谱还没有被广泛运用的时候,我们自己的记谱法基本都是只有音高、指法,却没有节奏和力度、速度等标记.比较二者之间的差别,我国的记谱方式给表演者留下了更广阔的创造空间.例如,有做民族音乐学研究的学者去云南等少数民族地区做田野调查时发现,在采访当地的土著居民时,让其演唱一首当地的民歌,他们试图将其所演唱的歌曲用笔记录下来时,遇到了困难,因为每一次的演唱都存在不少差别,后来,他们把录音带回去仔细研究也同样证明了这个事实：这些当地的少数民族居民所演唱的歌曲并没有一个固定的唱本,只能说有相对的音高和歌词,对于音符时值的长度或休止符的运用,基本都是随心所欲的,这也就形成了他们自己的风格.
试想,如果创造性在音乐表演活动中消失,将会带来什么样的情形？西方曾经在某一时期追求原样再现作曲家的创作意图,甚至还大量的模仿当时的乐器,乐器的演奏方面也力求做到还原,一方面这是难以做到的,只能说尽量接近那个原作,但是,我们永远不会知道作曲家在创作某一部作品时的想法和想表达的情感究竟是什么.如果音乐表演变得千篇一律,也就不需要表演者了,只需用机械的方式演奏出作品,再将其录制成光盘,供我们反复欣赏就好.那么,无论经过多少个世纪,一部作品的演绎只有一种,作品的生命也就就此停止,随着时代的变迁,人们的审美和需求在慢慢发生变化,美的相对标准也在改变,这无疑是对音乐作品的一次挑战,因为,音乐作品是历时性与时代性的统一,如果只用单一的眼光看作品,就缺少了时代性,时代性就像一个箭头,指向前方,它只会不停地向前运动,不会后退,只有音乐作品在不断的被诠释和演绎中,才能使作品不断被新的审眼光所补充,既符合作品的文本,又能有新的创造性,这才是伽达默尔所说的“视界融合”.
四、结语
创造性发生于每一次的音乐表演中,它存在于每一个主体身上,它是音乐表演的规律和最终结果,音乐作品的生命得以延续是由表演者决定的,表演者也要用双视阈的视角解读和演绎作品,在继承传统的同时也能有所创新.
作者简介：
许润琰,南京艺术学院 音乐学院 2015级研究生.
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